Estampa: primeros pasos, buenas impresiones

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Ayer comenzó Estampa, una feria con gancho, a la que las galerías acuden con propuestas sólidas y atractivas, variadas y heterogéneas. Nuestras primeras impresiones, como visitantes, son buenas: hemos visto obra interesante, en general muy bien expuesta, y hemos recibido explicaciones y valoraciones de artistas y galeristas que nos han permitido acercarnos a esos proyectos con otros ojos. Como expositores, Descubrir el Arte está en el stand Book In 1, os esperamos, además de con nuestra oferta de revistas (la de este mes y meses anteriores) y coleccionables, con Rita, una escultura que ha realizado para nosotros el taller de Mercedes Peláez Marqués. Desde aquí le damos de nuevo las gracias

Rita, la escultura que ha realizado para Descubrir el Arte el taller de Mercedes Peláez Marqués.

Rita, la escultura que ha realizado para Descubrir el Arte el taller de Mercedes Peláez Marqués.

Estampa cumple este año su 23ª edición; es una feria consolidada, especializada en arte contemporáneo y abierta a distintos lenguajes, lo cual enriquece mucho la exposición: la fotografía dialoga con las litografías, hay vídeo (aunque muy residual), esculturas, óleos, acrílicos, acuarelas… Este año ha reunido a 70 expositores y el movimiento de visitantes que se percibía ayer hacía pensar en positivo, aunque el balance no podrá hacerse hasta que el domingo cierre sus puertas, después de haber convertido, una vez más, a Matadero Madrid en una cita ineludible para los interesados al arte durante este último fin de semana de septiembre.

The Message, por Didier Lourenço.

The Message, por Didier Lourenço.

Algunos expositores echan de menos la especificidad de la feria, la que permitía relacionarla directamente con la obra gráfica. Sylvie Lourenço, de la editora Obra Recent (Barcelona), teme que el giro que ha dado la feria en los últimos años deje al público fiel a esa obra gráfica desubicado. Ellos exponen de forma monográfica la obra de Didier Lourenço, litografía, obra sobre papel y óleo sobre tela, un artista de Barcelona con proyección internacional y una obra muy reconocible por la amabilidad de sus figuras y colores. _DSC0874

En la línea de la fidelidad, Álvaro Alcázar Gamarra, de la galería madrileña que lleva su nombre, argumenta el criterio de su selección para esta edición. «Yo para Estampa elijo obra sobre papel; me parece una buena filosofía. Esto no tiene que ser un pequeño Arco, tiene que tener su identidad, y esta la marca el papel». De entre las obras que expone (Arroyo, Canogar, Krauskopf…) nos gustaría detenernos en una de Simon Edmondson, un pintor inglés que vive en Madrid desde hace aproximadamente 25 años, y que esboza en este cuadro a dos figuras femeninas. El galerista nos pone en antecedentes: «Fue al Prado y se enamoró de toda la pintura de Goya y de Velázquez, que influyen mucho en todo su trabajo posterior. También está muy influenciado por la pintura inglesa, la escuela de Francis Bacon». La obra en cuestión es óleo sobre papel y en ella «mezcla un poco lo figurativo y lo abstracto, deja que el espectador encuentre formas, reconozca siluetas. Marca un poco la silueta de las mujeres, deja un poco que tú te hagas a la idea de lo que él quiere decir, qué estarán haciendo, en qué situación están…».

Damos un salto a otro formato y nos detenemos en otra galería madrileña, Espacio Foto. Es difícil que su exposición pase inadvertida, casi imposible no entrar en su stand y dejarse llevar por sus imágenes. Dejamos que lo explique el galerista Antonio Olazábal: «Hemos traído tres proyectos. El de Miguel Bergasa es sobre los menonitas, fotografía en blanco y negro, química, positivada por Juan Manuel Castro Prieto y es un proyecto hecho a lo largo de 30 años siguiendo a la comunidad menonita, instalada en Paraguay. Tenemos a Masao Yamamoto, es uno de los fotógrafos japoneses más reconocidos internacionalmente. Sus fotografías son pequeño formato y son como pequeños haikus, como poemas visuales. Las copias están intervenidas, las envejece manualmente, las tiñe con té, con café, las deja en el jardín de su casa dos noches. Él entiende la fotografía como objetos. Busca el intimísimo, que te acerques y dialogues con cada una de las fotos». La galería acoge ahora, y hasta el 17 de octubre, una exposición de su obra con el acertado título: Small things in silencie. El tercer trabajo es el de José Quintanilla, Mi casa, mi árbol. «Aquí lo que está envejecido es el papel. Son papeles de algodón que él tiñe con té, café, óxidos y luego imprime las fotografías. El proceso de envejecimiento está hecho en el soporte. Está realizado en La Mancha y son siempre construcciones agrícolas, semiabandonadas en el campo y siempre asociadas curiosamente a un árbol. Habla un poco de la relación del hombre con la naturaleza que se ha perdido en esta sociedad y en la vorágine que estamos todos metidos».

En el stand de la casa-galería Aina Nowack (Madrid) se encontraba allí una de las artistas que allí expone, la argentina María Nöel, y nos habló sobre su trabajo, en concreto sobre la serie What we talk about when we talk about art, que expone en España, una obra autorreferencial que reflexiona sobre el arte y que está cuajada de guiños y juegos ya desde el título, una versión de el del cuento del escritor norteamericano Raymond Carver What we talk about when we talk about love. «La serie completa trata de encontrar pistas escondidos de autores y de obras a lo largo de la historia del arte. Tuve ganas de hacer una serie que fuera como escribir un ensayo, soy muy literaria: hija, nieta y biznieta de escritores. Toda mi vida estuve rodeada de libros, así que para mí es el paisaje de mi infancia y por eso utilizo mucho texto, muchas páginas de libros antiguos. Este ensayo tiene distintos niveles de lectura: hay un texto caligráfico con mi letra donde hago una suerte de fluir de conciencia, donde yo pienso de qué hablo cuando hablo de arte, por qué hago esto. El texto impreso es una conferencia que dio el poeta Dylan Thomas sobre la poesía, reflexiona sobre la poesía en términos tan generales que podría ser sobre el arte. Las dos figuras son Miguel Ángel y un antiguo griego en actitud pensante: son el Renacimiento. También tenemos una cita o una apropiación de una obra de Picasso, otro artista ineludible si estamos hablando de arte». La obra tiene una singularidad en el tratamiento técnico y que representa sus disquisiciones sobre el tiempo y la belleza, en concreto en las figuras de Miguel Ángel y el griego pensante. La artista buscó la figura de Miguel Ángel en Internet, «hago una bajada digital, ahí estamos la modernidad absoluta, la mando por mail, a un centro de copiado industrial, pido que me hagan una gigantrografía en tinta xerox, todo seriado; con esa gigantografía hago un transfer con ácidos sobre una piedra litográfica antigua y empiezo a pulir la piedra con arena, a limpiar con la trementina y con los ácidos antiguos, a buscar exaltar los blancos, utilizo trapos de algodón puro, imprimo sobre papel de arroz hecho a mano; de alguna manera estoy trabajando igual que lo hubiera hecho Miguel Ángel». Es más, utiliza la técnica para darle a la litografía un aspecto avejentado que permite que se integre con el resto de la obra, por eso pulió la piedra con arena gruesa y tosca para que la tinta quede como manchada, gastada.

Obra de la serie What we talk about when we talk about art, por María Noël.

Obra de la serie What we talk about when we talk about art, por María Noël.

Vídeo de Cristina Mejías en el stand de Bernal Espacio.

Vídeo de Cristina Mejías en el stand de Bernal Espacio.

Otra artista, Cristina Mejías, nos ha contextualizado el trabajo delicado y muy personal que expone en Bernal Espacio en un vídeo y obra en papel, Temps vécu. «Yo me tomo esto como un ejercicio de narración o de diálogo silencioso porque la mano que coge el lápiz es mía, la otra es la del narrador, que en este caso es mi abuela. Yo dejo la mano muerta y ella me dirige. Buscaba que el lenguaje de la persona que me narra fuera completamente desconocido para mí: son patrones de costura, que yo desconocía». Este trabajo se comporta como la huella de diálogos en los que su abuela le hablaba de una casa en la que vivió, se la describía y la artista a través de sus palabras tenía que construirse su imaginario. «Me interesaba la sugestión del lenguaje, la transmisión, incorporarlo a tu imaginario y hacerlo tuyo. Si yo ahora te cogiera la mano, quedaría mi impronta». Este proyecto forma parte de la propuesta del galerista Efraín Bernal para Estampa que se centra en el retrato y el autorretrato, con una sola excepción: los dibujos de Suárez Londoño, a pesar de que no encajara en el tema el galerista no se resistía a mostrar obra suya porque le parece un dibujante fuera de serie; además, como le ocurre a otros artistas del stand, tiene un aspecto que al galerista le interesa especialmente: la fidelidad y la constancia de su obra; en su caso al pequeño formato (pincha aquí para recordar la antología en la Casa Encendida).

Autorretrato de Óscar Muñoz en el stand de Bernal Espacio.

Autorretrato de Óscar Muñoz en el stand de Bernal Espacio.

Expone una fotografía de Marina Abramovic (la artista no permite que se exhiba más de una obra suya por stand en ninguna feria del mundo): «es un referente de trabajar con su propio cuerpo»; a Richard Billingham con los retratos de su familia; Vivian Maier [ver aquí artículo sobre su exposición hasta el 26 de septiembre en Bernal Espacio], Olivia Bee, una fotógrafa de 21 años que fue descubierta a los 14, y de la que a Efraín Bernal le interesa especialmente «lo performativo, la acción, la confección  de imágenes». De Vivian Maier le gusta destacar sus retratos de calle y cómo explotó su imagen no de forma narcisista sino para explorar las posibilidades de la fotografía. En su autorretrato Óscar Muñoz «inspirándose en las máscaras mortuorias, hizo una impronta de su rostro y lo fue manipulando con su mano de manera que todo cambia, lo cóncavo se vuelve convexo, lo positivo, negativo, y al mismo tiempo vuelva animado algo inanimado».

Cerramos esta primera incursión con una despedida, la de la galería de Berlín Invaliden 1 que, después de diez años en pie, cierra sus puertas. Los cinco artistas que la fundaron y que la han mantenido empiezan a tener proyectos profesionales y personales que nos les permiten mantener la atención y dedicación que el proyecto merece. Como despedida, traen a Estampa cada uno de ellos una obra, pero se venden las cinco juntas. Son excelentes. Sus autores, los galeristas, son: Sergio Belinchón, Rui Calçada Bastos, Antonio Mesones, Noé Sendas y Santiago Ydáñez.


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