Arte y religión, la historia de un desencuentro

Hasta el 24 de enero el Palacio Strozzi de Florencia acoge la exposición Belleza divina, entre Van Gogh, Chagall y Fontana, una reflexión sobre la relación entre el arte y lo sagrado desde mediados del siglo XIX hasta mediados del XX a través de un centenar de obras de artistas como Domenico Morelli, Gino Severini, Picasso, Max Ernst, Matisse o Munch. Esta muestra forma parte de los actos del V Convenio Eclesiástico Nacional que tendrá lugar del 9 al 13 de noviembre y en el que participará el papa Francisco

Ha pasado más de medio siglo desde que el pontífice Pablo VI –el que más atención ha dedicado al arte entre los últimos papados–, en el transcurso de un encuentro que tuvo lugar en la Capilla Sixtina el 7 de mayo de 1964 con creadores plásticos, afirmara que en los últimos tiempos aunque no se había roto el vínculo entre la Iglesia y los artistas sí que se había producido un alejamiento cada vez mayor entre ellos, del que eran responsables las dos partes: «No hemos roto pero hemos turbado nuestra amistad… En cierta manera, vosotros nos habéis abandonado… en la búsqueda de otras expresiones, que no son las nuestras… Si bien, reconocemos que también nosotros somos responsables al imponeros como primer canon la imitación, a vosotros que sois creadores, siempre vivaces, surtidores de miles de ideas y de miles de novedades… ¡perdonadnos!”.

 

Precisamente esta valiente mea culpa de Pablo VI se refería a lo que va desde mediados del siglo XIX hasta mediados del XX,  cuyos testimonios artísticos recoge esta exposición que ha sido organizada por la Fundación Palacio Strozzi junto con el Polo museal florentino, los Museos Vaticanos y la Archidiócesis de Florencia y que forma parte del V Convenio Eclesiástico Nacional que tendrá lugar del 9 al 13 de noviembre y en el que participará el papa Francisco.

A pesar de este abandono bilateral, la relación no se llegó a romper del todo, como queda claro en esta exposición donde se exhibe una serie de obras cuyos temas abordan de alguna manera el tema religioso de los artistas más influyentes de ese período de tiempo. Aunque en algunos casos sus puntos de vista son polémicos o disonantes y, precisamente por ello, dan cuenta de que entre el arte y lo sagrado no cabe la ignorancia, que siguen vinculados, aunque a veces sea por un hilo sutil entre ambos polos.

El 4 de abril de 1999, de nuevo el papa Juan Pablo II, volvió a ratificar este punto de vista en una carta dirigida a los artistas. En ella encontramos precisamente una de las clave de esta exposición florentina: “Toda forma auténtica de arte es, a su manera, una puerta de acceso a la realidad más profunda del hombre y del mundo… En la era moderna se ha ido afirmando una forma de humanismo caracterizado por la ausencia de Dios y a menudo por la oposición a Él… Y precisamente el arte sigue constituyendo una especie de puente hacia la experiencia religiosa… Hasta cuando escruta las profundidades más oscuras del alma o los aspectos más desconcertantes del mal, el artista se propone de cualquier forma como voz de la universal espera de redención”.

Por otra parte, el penúltimo de los Pontífices, Benedicto XVI, profundizaba todavía más en este hecho: “Una función esencial de la verdadera belleza, ya evidenciada por Platón, consiste en comunicar al hombre una saludable sacudida, que lo saca de sí mismo… lo hace sufrir pero lo ‘despierta’… elevándolo hacia lo alto”. Lo que nos recuerda a su vez una cita de Dostoievsky: “La humanidad puede vivir sin la ciencia, sin pan, pero sólo sin la belleza no podría vivir porque no habría más nada que hacer en el mundo”.

Esta exposición del Palacio Strozzi está circunscrita en este ámbito y aporta una lectura inédita de esta relación. Compuesta por un centenar de obras, es muesta reflexiona sobre cómo el arte y lo sagrado se entrelazan, y para ello se exhibe un conjunto de obras magistrales de los artistas más importantes del período que va desde mediados del siglo XIX al XX junto a la de otros creadores plásticos menos conocidos, lo que permite mostrar un variado y diversificado panorama del arte moderno en general. 

Entre los italianos, destacan Domenico Morelli, Gaetano Previati, Felice Casorati, Renato Guttuso, Lucio Fontana o Emilio Vedova; y entre los internacionales, Vincent van Gogh, Jean François Millet, Edvard Munch, Pablo Picasso, Max Ernst, George Rouault o Henri Matisse.

Entre las obras expuestas, acaparan gran protagonismo las obras maestras Angelus de Jean-François Millet (proveniente del Museo de Orsay de París) que aporta una sacralidad transversal y al tiempo universal; la Piedad de Vincent van Gogh (de los Museos Vaticanos), una obra rara dentro de la producción de este artista porque a pesar de su vocación místico-religiosa no se prodigó en temas sagrados, mientras que en ésta se evidencia la inspiración que tuvo en la producción de otros artistas; la Crucifixión de Renato Guttuso (de la Galería Nacional de Arte Moderno de Roma), un trabajo emblemático con un fuerte mensaje político comparable al grito de dolor del Guernica; la Crucifixión blanca de Marc Chagall (del Art Institute Museum de Chicago), la obra preferida del papa argentino.

En cuanto a estilos o corrientes representados en la exposición, va desde la pintura realista de Morelli a la informalista de Vedova, del puntillismo de Previati al simbolismo de Redon o del expresionismo de Munch al experimentalismo del futurismo.

Carmen del VANDO BLANCO