El Museo ABC de Madrid acoge hasta el 19 de mayo una exposición que reivindica la ilustración dedicada a la moda como un arte en sí mismo a través de 150 dibujos originales de 22 creadores nacionales e internacionales, emergentes y consolidados. Además entrevistamos a Álvaro Antón Viñas y Alicia Portillo, dos alumnos de Gestión y diseño de Moda de la Universidad Rey Juan Carlos de la capital
Eso de que la moda es lo que está pasado de moda se pone destacadamente de manifiesto en #FINAESTAMPA, una exposición comisariada por Jesús Cano y en la que se muestran 150 obras de 22 artistas en el Museo ABC de Madrid. Creadores que han conseguido revivir lo que inició el diseñador René Gruau, la ilustración de la moda, que gracias a la revolución digital y redes sociales está viviendo un auge sin precedentes; en este sentido, Instagram ha sido crucial en el camino a la fama de muchos de los artistas presentes en esta muestra.
Sobre estas líneas, JW mens, por Richard Kilroy. Arriba, Kinder bueno, por Ricardo Fumana.
La exposición recoge un momento preciso, el de la ilustración de moda de finales de la segunda década del siglo XXI a través de trabajos, técnicas y estéticas que están teniendo lugar ahora mismo, es como una radiografía del presente de una disciplina que, desde sus orígenes, se traduce como el reflejo de la sociedad, con tantas sensibilidades y matices como personas la forman. Mientras la fotografía tiene la eficacia de retratar la realidad, la ilustración lo hace de una manera más cercana, emocional y, por tanto, más subjetiva. La prenda deja de ser un producto comercial en estos dibujos para convertirse en un ente abstracto, apetecible e inspiracional, fiel a nuestro tiempo.
CDG, por François Berthoud.
Pero esto que ahora está tan de moda, a inicios del siglo XX supuso una revolución. En 1908, el modisto Paul Poiret le encargó al grabador Paul Iribe que ilustrase sus diseños para una publicidad titulada Les Robes de Paul Poiret, un trabajo con el que el ilustrador rompió los estereotipos del diseño de revistas de moda, caracterizadas hasta ese momento por un realismo muy detallado. Iribe se inspiró en artes como la danza o el teatro para dejar a un lado la estricta representación.
Ilustración de Aurore de La Morineire.
Aunque la fotografía se convirtió en su principal competidora desde los años treinta del siglo XX hasta eclipsarla definitivamente en las grandes portadas, estos artistas contemporáneos han logrado que se viva una Segunda Edad de Oro de las ilustraciones de moda. Y lo han conseguido por su gran capacidad para crear un lenguaje propio y, como decíamos arriba, con la infalible ayuda de las redes sociales. “Las aguadas, la línea suelta o el collage vuelven a ser protagonistas como lo fueron en la primera Edad de Oro de la ilustración, entre las décadas de los años veinte y finales de los setenta del siglo XX. La vieja práctica que hicieron grande Gruau, Bouché, Eric o Blossac”, explica Jesús Cano.
Reivindican la ilustración de la moda como una forma en sí de arte, de dibujar el arte. Pero no son los únicos. La exposición Modus. A la manera de España ofrece un paseo por la moda nacional, también desde un punto de vista reivindicativo como manifestación artística, desde las creaciones de importantes artistas de nuestra historia como Cristóbal Balenciaga hasta llegar a los jóvenes creadores como Palomo Spain.
Daniel, por Richard Haines.
Estos ilustradores se ayudan del lápiz, la acuarela, el pincel clásico o el digital, bajo líneas minimalistas o expresionistas, con formas del siglo XIX y técnicas del XXI. Un medio y un fin diferentes les han dado la fama, pero dejan claro que esto no es excluyente y que lo suyo también es un arte, una nueva disciplina muy valorada y rentable.
Rafodalisque, por Laura Guishani.
Los hay que quieren desprenderse de todo lo superfluo. Están los que crean universos maravillosos en los que quedarse a vivir. Minimalistas, expresionistas o, casi conceptuales, y pertenecientes a diferentes generaciones. Todos dispuestos a señalar que hay vida más allá de René Gruau.
Gaultier, por David Downtown.
Nombres como Gill Button, Jordi Labanda, David Downton, Laura Gulshani, Inés Maestre o Rosie McGuinness se dan cita en esta exposición que forma parte del programa oficial de la segunda edición de Madrid Design Festival y que cuenta con la colaboración de NH Collection Hotels.
Palomo, por Jordi Labanda.
Álvaro Antón: “Creo que cualquier expresión con autenticidad se puede considerar arte”
Alicia Portillo y Álvaro Antón Viñas.
A continuación entrevistamos a Álvaro Antón Viñas y Alicia Portillo, alumnos de primero de Gestión y diseño de Moda de la Universidad Rey Juan Carlos, con sede en Ferraz (Madrid). Los dos jóvenes han presentado un proyecto para la asignatura de Dibujo, impartida por la profesora Macarena Moreno Moreno.
Pregunta. ¿Por qué iniciasteis el proyecto?
Álvaro y Alicia. Es el proyecto final de la asignatura de diseño. La profesora nos dio una serie de pautas, cómo inspirarnos en una colección basada en alguna temática, y que los dibujos tenían que ser de tres tipos diferentes: iconicidad, corriente artística y reflejar nuestra visión.
P. ¿En qué o quién os inspirasteis?
Álvaro. Mi colección se llama Aquelarre y está inspirada en este tema, en la sociedad victoriana y en la serie de pinturas de Goya de esta temática.
Alicia. Mi colección se titula Back to 80’s y me inspiré en una serie en la que se refleja el movimiento LGTB y la comunidad afroamericana. Quería darle un estilo ochentero, atrevido, inspirado también en estrellas del pop, como Madonna.
P. ¿Conocíais la ilustración de moda? ¿Tenéis algún referente?
Álvaro. Dayton, colaborador de moda de Vogue.
Alicia. A raíz del trabajo sigo a Arturo Elena.
Álvaro junto a sus ilustraciones.
P. ¿Qué es para vosotros el arte?
Álvaro. No es algo tangible, algo que se pueda medir; por tanto, no se puede decir qué es arte o no lo es. Yo creo que cualquier expresión con autenticidad se puede considerar arte. Si tienes algo que decir o expresar, desde tu punto de vista, puede ser auténtico.
Alicia. Una expresión personal de forma original puede ser arte.
P. En vuestras obras ¿hay elementos personales?
Álvaro. Mezclo dos aspectos que forman parte de mi personalidad, una parte de oscuridad y otra de luz. Ni la oscuridad tiene que ser triste y depresiva ni la luz felicidad. Y es lo que quería expresar. En la luz de los colores pastel y dorado hay tristeza, incluso más que en el negro.
Alicia. Me han visto siempre como alguien oscuro, pero realmente veo la vida con color y quiero dar esa impulsividad a mi obra, y me atreví.
Alicia junto a una de sus ilustraciones.
P. ¿Metodología?
Álvaro. Fui bocetando. Tenía claro que tenía que llevar unas partes básicas. Quería una reinterpretación del traje chaqueta, con volumen.
P. ¿Qué es para vosotros la moda?
Álvaro. Hay varios tipos, cada una con un significado. Para mí, es expresión y arte, te da el poder de decir lo que quieras con una segunda piel. Pero también está el uso cotidiano.
P. ¿Este trabajo seria arte? ¿Consideráis la ilustración de moda como un arte más?
Álvaro. Sí, pues cumple una serie de requisitos, además de todo el trabajo que hay detrás de cada ilustración. No es un mero trabajo de clase, sino una expresión de algo personal.
Alicia. Tiene muchas interpretaciones, ya que sigue siendo algo plasmado en un papel. Cada dibujo expresa algo. Por tanto, es arte.
P. ¿Posibles salidas profesionales?
Álvaro. Me gustaría ser ilustrador de moda y de otros ámbitos. Quiero hacer más en nuevos formatos, como el plástico.
Alicia. Yo vengo de una escuela de arte y podría ser de todo, me gusta todo.
P. ¿Consejo final para los futuros creadores?
Álvaro. Que sean libres, que no se pongan barreras. Que expresen lo que quieran y no se fijen en si algo es bonito o no, porque a ti te pueden gustar muchas cosas, pero lo que se lleva no tiene que ser tu estilo.
Alicia. Que no se dejen llevar por los demás. Hazlo, aunque sea diferente. Casi nadie tiene un mismo estilo. Al principio cuesta, pero que lo hagan.
Raquel MARTÍN BELLOT
